Maxima Library

Творчество гениального скульптора, архитектора и живописца Микеланджело Буонарроти знаменует собой высочайший подъем и расцвет итальянского искусства эпохи Возрождения. И для современников, и для всех последующих поколений его художественное мастерство являлось недосягаемым образцом для подражания. Всю свою жизнь мастер посвятил созданию гениальных творений. Микеланджело никогда не был женат, не имел детей и, если не считать многочисленных учеников и друзей, все свои восемьдесят девять лет прожил в одиночестве. По этому поводу он однажды написал: «Искусство ревниво и не терпит соперниц; оно заменяет мне жену и доставляет совершенно достаточно домашних хлопот. Моими детьми всегда будут мои произведения». Будучи гениальным художником и скульптором эпохи Возрождения, важной темой своего творчества он сделал красоту человека, его духовную мощь и неограниченные возможности. Многие скульпторы и живописцы - современники Микеланджело подражали ему, копируя работы, художественные приемы и стараясь усвоить его манеру. Но никто не пытался понять высокую мысль, которую он вкладывал в свои произведения. И поэтому достойного последователя у него не было даже среди учеников. И хотя Буонарроти признали еще при жизни, он пользовался огромным авторитетом и создавал значимые произведения, все равно не был счастлив, так как часто оставался непонятым, а многие его грандиозные так и не осуществились.

Выдающийся русский живописец Александр Андреевич Иванов известен, прежде всего, своим грандиозным полотном «Явление Христа народу», на создание которого у него ушло двадцать лет. Иванова даже называют художником одной картины, несмотря на то что в его творчестве есть и другие интересные произведения. Получив классическое художественное образование, он подавал надежды как талантливый живописец академического толка. Но собственные духовные размышления и тесное общение с представителями романтической школы направили его творчество в русло романтизма, а поздние акварели из цикла «Библейские эскизы», в которых проявляется визионерство мастера, приближаются к символизму. Явление Христа народу” (1837-57) выдвигает проблемы всемирно-исторического значения. Эта картина стала жизненным подвигом художника. В ней художник выразил свои мысли о влиянии божественного и возвышенного на преображение человека. Основное содержание сюжета картины — начало освобождения и нравственного возрождения человечества. Сложная многофигурная композиция картины включает в себя людей различных сословий и характеров. Иванов трактовал евангельский сюжет как реальное историческое событие. Иванов трактовал древние легенды как историю духовного и нравственного развития человечества. В “Явлении Христа народу” Иванов полностью отрекся от традиционных академических рутинных взглядов и приемов; верх взяли его приверженность натуре; поиски красоты, соответствующей индивидуальному характеру и значению изображенных лиц. Творчество крупнейшего мастера, русского живописца-философа А. А. Иванова, обращенное одновременно и к прошлому и к будущему искусства — это итог его нравственных и эстетических исканий. Произведения художника сделали его одним из самых значительных русских живописцев XIX в.

Анри де Тулуз-Лотрек родился в аристократической семье. Благодаря отцу, который любил развлечения, Анри с ранних лет познакомился с ежегодной ярмаркой и цирком. Впоследствии тема цирка и развлекательных, увеселительных заведений стала основной в творчестве художника. В возрасте 13 лет Анри, вставая с кресла, ломает бедренную кость левой ноги. Год спустя Тулуз-Лотрек падает в канаву и получает перелом правой ноги. После этого случая ноги прекратили расти и оставались длиной 70 сантиметров на протяжении всей жизни художника. Скорее всего, кости медленно срастались и рост конечностей остановился по причине наследственного заболевания — бабушки Анри приходились друг другу сёстрами. Вдохновлялся искусством импрессионистов, в особенности творчеством Поля Сезанна, Эдгара Дега, и японскими гравюрами. Переехав в Париж, обосновался на Монмартре, где прожил до конца своих дней. Одним из первых всерьёз занялся рисованием афиш (литографией). Часто рисовал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл соответствующий образ жизни. Его моделями были танцовщицы «Мулен Руж» Луиза Вебер (Ла Гулю) и Жанна Авриль, клоунесса Ша-У-Као, поэт и театральный деятель Аристид Брюан, танцор Валентин Бескостный, певица Иветта Гильбер. В любви ему не везло, низкий рост (152 см) и внешность инвалида вызывали насмешки, все его серьёзные романы заканчивались неудачно. Умер от алкоголизма и сифилиса в родовом замке на руках матери, не дожив до 37 лет. При жизни критика была в основном настроена недоброжелательно по отношению к Тулуз-Лотреку и его творчеству. Признание к Лотреку пришло через несколько лет после его смерти.

Сальвадор Фелип Хасинт Дали Доменек — испанский художник, живописец, график и скульптор, один из самых известных представителей направления сюрреализма. Всю свою жизнь искренне верил, что он – гений. Дали утверждал, что был гениальным уже в чреве матери. Гениален Дали или нет – судить не будем, его всегда оценивали по-разному, а вот одаренность всегда была налицо. Сохранился отличный пейзаж, который он написал в 6 лет, а в 14 лет состоялась его персональная выставка. Но в голове юного дарования всегда жила мысль: как стать знаменитым? Как выделиться из огромного круга талантов? Тщеславие – могучий рычаг для одаренного человека. Кого-то оно ведет к подвигу, кого-то заставляет проявить лучшие стороны характера и души, Дали решил идти совершенно иным путем: он решил шокировать! Начав самостоятельную дорогу в живописи, Дали принялся бороться со здравым смыслом. Помимо того, что он безостановочно писал свои жуткие фантазии, он вел себя весьма оригинально. Сальвадор Дали был гением саморекламы, поэтому совершенно ясна его следующая тирада: «Наше время – эра кретинов, эра потребления, и я был бы последним идиотом, если бы не вытряс из кретинов этой эпохи все, что только можно». Сальвадор Дали, сосредоточившись в самом начале пути на узкой теме, а именно на пейзаже, отражающем географию родных мест и его собственной души, стал одной из мировых знаменитостей XX века. Это произошло благодаря единению Дали-мистификатора, короля эпатажа, и Дали-художника, жизни на виду и жизни тайной, посвященной искусству. Как заявлял сам Дали: «Вся моя живопись – лишь частица моей космогонии». Но творчество мастера было бы невозможно без той, чье имя с момента их первой встречи в 1929 году неразрывно связано с именем Дали. Легендарная Гала (урожденная Елена Дмитриевна Дьяконова) - вдохновительница, модель и царица мироздания, стала для Дали «женщиной-видением, способной проникать взглядом сквозь стены». Под влиянием Гала и ее образа в своем сознании Дали создает многие произведения сюрреалистического периода, именно благодаря ей он ощутил, что мир сновидений реальнее повседневного мира. Сальвадор Дали связывает с Гала все свое творчество, воспевает ее в стихах, посвящает ей свои литературные сочинения, а собственные работы подписывает «Гала-Дали».

Великий испанский художник, скульптор, rpафик, сценоrpаф, керамист и дизайнер Пабло Пикассо оказал исключительное влияние на развитие искусства XX и XXI веков. Он прожил девяносто один год и почти все время плодотворно работал. Произведениям мастера подражает множество художников, его идеи нашли огромное количество последователей. Однажды, посетив выставку детских рисунков, мастер сказал: «В их возрасте я рисовал как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они. Личная жизнь художника, овеянная сплетнями и мифами, похожими на правду, всегда интересовала и привлекала толпы любопытных, падких до скандалов обывателей. Можно долго дискутировать о том, любил ли Пикассо своих женщин или принимал вдохновение за любовь. Несомненно одно: все они 6ыли необходимы, чтобы осталось творческое наследие гения, значение которого для мирового искусства бесценно: около пятидесяти тысяч работ - картины, скульптуры, изделия из керамики и рисунки. Для Пикассо существовал лишь один бог, которому он служил и поклонялся. Этот бог – изобразительное искусство. Талант величайшего художника можно сравнить с вулканом, чье извержение не спутаешь с фейерверком, взрывом и даже пожаром. Это природная стихия, выброс колоссальной энергии, осыпающий пеплом окрестные склоны, которые потом становятся плодородными землями. Так и через этого гения прошла мощнейшая творческая энергия, полностью изменившая ландшафт мировой живописи и давшая новые талантливые всходы, которые возросли на нивах искусства, удобренных его многогранной и плодовитой деятельностью.

Андрей Рублев - художник в отечественной культуре настолько же легендарный, насколько и мифологизированный. Привлекательность имени этого мастера и значимость его для самоутверждения национального искусства чрезвычайно велики. Представления о художественной исключительности его икон возникли еще в древности, а с XVI века самая знаменитая из них - «Троица» - стала официально полагаться в качестве образцовой для русских иконописцев. Современная наука сохранила восприятие Рублева как художественного гения Древней Руси. В полемике вокруг творческого наследия живописца никогда не оспаривался уникальный масштаб его мастерства, ставшего особым явлением во всем древнерусском искусстве. В 1947 в стенах Спаса-Андроникова монастыря, где когда-то монашествовал и закончил свои дни Андрей Рублев, был создан музей древнерусского искусства, получивший имя великого иконописца и открывший свои двери для посетителей в 1960. Тот год ЮНЕСКО объявила годом шестисотлетнего юбилея живописца. В год тысячелетия Крещения Руси (1988) Андрей Рублев был причислен к лику святых Русской православной церковью, членом которой он был и вместе с которой силой своего таланта всю жизнь славил Бога.

Марк Шагал — выдающийся живописец, график, театральный декоратор и художник-монументалист, чье творчество считают своим национальным достоянием Россия и Франция, США и Израиль. Мастер удостоился еще прижизненной мировой славы. Его удивительную жизнь и авангардные произведения искусства окружают мифы и легенды, созданные как почитателями таланта художника, так и неистовыми критиками. Несмотря на то что жизнь Марка Шагала была нелегкой, большинство его про изведений наполнено любовью, свободой духа и благодарностью

Богу за каждый миг бытия. Многие поздние картины уже пожилого художника проникнуты бурным весельем, музыкальностью и праздничным настроением.

В отличие от многих своих коллег по искусству, Шагал не пытался спрятаться от несовершенного и жестокого мира в своих сюрреалистических фантазиях. Наоборот, собственным творчеством он стремился убедить людей, что жизнь удивительно прекрасна во всех ее проявлениях, и свобода духа, как и полеты на крыльях любви, - это щедрый дар Божий каждому человеку независимо от его национальности,

вероисповедания и места проживания. Его удивительные картины продолжают поражать и радовать людей своими мистическими, порой необъяснимыми и одновременно родными и понятными образами.

Анри Эмиль Бенуа Матисс родился в городке на севере Франции. Отец Анри держал лавку, где продавал зерно и краски, а мать помогала ему в торговле. Это было не единственное ее занятие: Анна увлекалась росписью по фарфору и изготовлением шляп. Анри Матисс считал, что искусство должно приносить радость человеку. И он выражал эту мысль в каждой своей картине. Анри Матисс - непревзойденный мастер цвета, умевший каждой краске на холсте придать необычайно сильное звучание. Во многих произведениях художника присутствует мотив окна, символизирующего связь с природой. Кричащие цветовые сочетания под кистью Матисса образуют некое гармоничное единство. Его цвет всегда отличается от реально существующего, ведь он создает свою природу - природу чистого цвета. Писательница Гертруда Стайн и ее брат Лео познакомили Матисса с Пабло Пикассо (художники остались друзьями на всю жизнь), а также с русским меценатом Сергеем Щукиным. Последний собрал замечательную коллекцию современной ему западноевропейской живописи. Со времени первой встречи в 1906 художника и русского коллекционера связывали дружеские отношения, что было чрезвычайно важно для Матисса. Кроме того, это знакомство значительно поправило его финансовое положение . Матисс страстно любил ткани и собрал из них неплохую коллекцию. Подражание рисункам на тканях многому научило живописца. Линии обретали легкость и лаконичность, произведения становились более декоративными и наполнялись изогнутыми узорами. В одном парижском магазине живописец приобрел приглянувшийся ему кусок сине-белой материи, который впоследствии был источником вдохновения во многих его работах. В конце жизни Матисс работал с цветной бумагой, создавая замечательные коллажи с различными фигурами , вырезанными из предварительно окрашенной гуашью бумаги. Анри Матисс считается самым ярким представителем фовизма - одного из первых течений модернизма. На рубеже XIX-XX веков в европейском изобразительном искусстве наметились тенденции поиска принципиально иных путей развития. Создание нового искусства считалось возможным лишь при полном отрицании художественных достижений прошлых эпох. Матисс показал силу выразительности чистого цвета и доказал, что гармоничными могут быть даже самые немыслимые до той поры цветовые сочетания. Группа фовистов довольно быстро распалась. Однако влияние этого художественного направления сказалось на дальнейшем развитии живописи. Анри Матисс получил признание при жизни, имел многочисленных учеников, последователей и благодарных поклонников.

Значение творчества Алексея Венецианова для русского искусства чрезвычайно велико. Он стал одним из первых русских художников, представивших в своих полотнах жизнь крестьян и их образы, преисполненные душевного благородства, красоты и большого человеческого достоинства. Мастер своей неутомимой художественной и просветительской деятельностью не только утвердил бытовой жанр в качестве равноправной и важной области отечественного искусства, но и создал новую для своего времени школу живописи, воспитав в ней более семидесяти художников - выходцев из крестьян, в творчестве которых главным стало отражение образов родной земли. В художественной жизни Петербурга смерть одного из талантливых отечественных живописцев оказалась незамеченной. Пожалуй, только его бывшие ученики помянули мастера добрым словом. Однако Венецианов, в отличие от многих своих гонителей, оставил глубокий след в русском изобразительном искусстве, оказавшись одним из первых художников, представивших зрителям трогательные и правдивые образы простого народа.

С именем Эль Греко связано начало расцвета испанской живописи. Художник родился в Греции, а имя Эль Греко, закрепившееся за ним в истории мирового искусства, является псевдонимом, взятым мастером в Испании, и в переводе означает просто «грек>. В биографии Эль Греко множество загадок, немало их и в его искусстве. Одни считали живописца помешанным, другие предполаагали, что у него редкое заболевание глаз, из-за которого он видел все предметы искаженными, отчего якобы и писал человеческие фигуры с измененными пропорциями. Его живопись не похожа на строгое искусство испанского двора того времени, в ней было много мистики, напряжения, религиозного исступления. После смерти Эль Греко его творчество оказалось быстро забыто. Вероятно, это можно объяснить тем, что оно опередило свою эпоху. Спустя почти три столетия чрезвычайно эмоциональные произведения художника оказались близки немецким экспрессионистам. Искажение пропорций, сложность пространственных построений и религиозная мистика в творчестве Эль Греко сочетаются со знаменитым реализмом многочисленных изображений современников, в которых мастер выступил превосходным портретистом, способным проникать в психологию человека. В ХVII и XVIII веках произведения художника оставались чуждыми и в художественных кругах. В XIX веке художники романтического направления пленились загадкой Эль Греко и восхищались его эксцентричностью. Тогда же распространилась легенда о том, что Эль Греко был безумен, а в понимании романтиков безумие граничит с гениальностью и свидетельствует об особом духовном уровне человека.

Альбрехт Дюрер - живописец, гравер, рисовальщик, гуманист и ученый - был первым художником в Германии, который стал изучать строительное и фортификационное дело, механику и математику. Он воплотил в себе характерный для эпохи итальянского Возрождения тип художника-ученого, до этого времени неизвестный в Германии. Необычайная одаренность, широта интересов и разносторонние знания позволяют поставить Дюрера в один ряд с такими прославленными мастерами, как Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти. Гений Дюрера сыграл огромную роль в становлении жанра пейзажа в национальном искусстве и несколько изменил портретный жанр, в котором главное место отвел отражению внутреннего мира человека, его характеру и переживаниям. Еще при жизни на небывалую высоту художник поднял искусство гравирования на дереве и меди. При всем этом весьма обширном и значительном вкладе Дюрера в развитие искусства своей страны его главной заслугой является утверждение реалистических принципов в немецкой живописи и гравюре XVI века.

Питер Брейгель - великий нидерландский художник XVI века, представитель целой династии; были и другие художники Брейгели. Великим и главным стал, являлся и остался Питер, он же основатель династии. Его старшего сына также звали Питером, поэтому их именовали Старшим и Младшим. Эти уточнения относились к степени родства, но в какой-то момент появилась потребность в уточняющем определении манеры и стиля каждого из них. И тогда Питер Брейгель Старший из-за персонажей своих работ получил прозвище «Мужицкий», а его старший сын - по тем же соображениям - "Адский". Младшего Яна Брейгеля прозвали «Бархатным». На протяжении всей жизни Питера Брейгеля «Мужицкого» интересовал простой человек, в жизни и судьбе которого художник находил драму. Эта драма - борьба добра и зла, светлого и темного начал жизни. Брейгель изображал ее во всех мыслимых, а порой и немыслимых аспектах - от комического и сатирического до трагического и даже апокалипсического. Наследие художника породило множество толкований и интерпретаций его картин. Но исследователи еще очень далеки от того, чтобы сказать себе: да, мы полностью постигли смысл творений этого мастера. В наше время искусство Питера Брейгеля актуально более, чем когда-либо.

Все творчество талантливого русского живописца Константина Васильева проникнуто философскими размышлениями об исторической памяти славянского народа. Трогательный поэтический мир образов художника является неотъемлемой частью культурного наследия нации. Умение показать красоту и дух национального характера, необыкновенную сказочность русской земли ставит Константина Васильева в один ряд с выдающимися отечественными живописцами, которые являются достоянием и гордостью России.

Влияние творчеcтва Василия Тропинина на все последующее русское изобразительное искусcтво чрезвычайно велико. Будучи современником золотого века отечеcтвенной культуры, он стал его неотъемлемой частью и еще при жизни снискал славу лучшего портретиста Москвы. Выходец из крепостных крестьян, недоучившийся студент Петербургской Академии художеcтв, Тропинин являет собой пример истинно талантливого человека, который благодаря собственной целеустремленности и твердости духа сумел состояться как многогранная творческая и, прежде всего, свободная личность, оставившая для потомков бесценные произведения искусства. Живописец прожил долгую творческую жизнь и создал большое количество портретов современников, исходя из эстетических идеалов своей эпохи. В конце жизни в произведениях Василия Тропинина проявились верность натуре и аналитический взгляд на мир, в результате чего он оказался у истоков самостоятельного направления в русском искусстве, получившего название критический реализм, которое впоследствии развили выпускники Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

Антуан Ватто - знаменитый французский художник, ставший основателем особого жанра празднеств (или сцен) – идеализированного изображения людей, занятых приятным разговором, любовной игрой, танцем или музицированием на фоне совершенного пейзажа. Он живописал красивую жизнь французской аристократии, полную светских развлечений и утонченных игр, театральных импровизаций, концертов и любовного томления. Его персонажи существуют на грани реальности и прекрасной мечты, между действительностью и театральной условностью. Ватто обращается к миру эмоций и переживаний, его герои не прячут чувств под светской маской. Осознание быстротечности времени и зыбкости счастья привносит в его полотна неясную грусть и тоску по несбыточному. Все эти особенности произведений мастера характерны для живописи стиля рококо (первая половина XVIII века) - искусства светского, прославляющего радость и лёгкость бытия, у истоков которого стоит Ватто. Игривость, изящество, некоторая манерность, декоративность, отсутствие нравоучительного и героического подтекста отличают картины, выполненные в этом стиле. Свое название он получил от французского слова «rocaille» - раковина», мотив которой часто использовался художниками и архитекторами. Однако стилевые рамки рококо были тесны для искусства Антуана Ватто. Обратившийся в своем творчестве к миру человеческих чувств и переживаний, привнесший в живопись поэтическое восприятие природы, он предвосхитил искания эпохи романтизма.

Иван Яковлевич Билибин - выдающийся иллюстратор, график и театральный художник. Ориентируясь на исконные национальные традиции, при помощи выразительного построения композиции, причудливой и одухотворенной линии он смог показать современникам подлинную красоту форм народного творчества, оказав тем самым большое влияние на развитие интереса к изучению фольклора и древнерусского искусства, которые многими воспринимались как архаичные и давно утратившие актуальность. Искренний и правдивый: таким предстает перед нами Билибин. Он учился своему мастерству у природы, и это дало ему возможность прекрасно, так же как и у старых миниатюристов, воссоздать былинные мечты и святые воспоминания, которые убаюкивают.

Все творчество гениального мастера Никола Пуссена было посвящено высокой идее служения добродетели, любви и мудрости. Несмотря на то что художник родился и вырос во Франции и является поклонником барочной живописи, свою жизнь он связал с Римом и испытал влияние Античности искусства итальянского Возрождения. Произведения Пуссена оказали огромное воздействие на развитие живописи всей Европы. После смерти мастера его и ранее высоко ценившиеся картины были признаны настоящими шедеврами. А большинство из них стало образцом классицизма. Сюжеты и методы работы Пуссена во все последующие века являлись образцом для подражания начинающим художникам Италии, Франции и даже России и оказали огромное влияние на развитие всего европейского искусства.

Густав Климт — художник, которому было суждено прославить австрийское искусство. Вена, одна из прекраснейших европейских культурных столиц с богатой музыкальной историей (здесь творили Гайдн, Моцарт, Бетховен, Шуберт, Брамс и Штраус), в конце XIX столетия увидела расцвет новой архитектурной школы (венской) под предводительством Опо Вагнера. Густав Климт же оказался первым обновителем венской живописи, став самым ярким представителем модерна. Модерн, считающийся последним стилем европейского искусства, сложился во второй половине XIX века и просуществовал до начала Первой мировой войны. Художественный язык этого изысканного рафинированного стиля отличается плавными текучими линиями, подсмотренными у природы (часто обыгрываются растительные мотивы или мотив волны), а также повышенной декоративностью. Лишь за год до смерти живописец получил официальное признание в художественных кругах, став почетным профессором Академий искусства Вены и Мюнхена (1917). В январе 1918 у Густава Климта произошло кровоизлияние в мозг, а 6 февраля 1918 художник умер. Многие произведения остались незаконченными.

В ноябре того же года Австро-Венгрия вышла из войны, официально перестав существовать и распавшись на несколько разных государств в 1919. Закончилась эпоха великой Австрийской империи, эпоха блистательного расцвета светской культуры, свидетелем и сотворцом которой был и Климт. Мастер оставил после себя великолепные произведения, за право обладания которыми борются наследники его моделей. Картины Климта до сих пор продаются на аукционах по баснословно высоким ценам. Один из основателей Венского Сецессиона и Союза австрийских художников, Густав Климт способствовал обновлению австрийской живописи, ее освобождению от канонов академизма и воспитанию молодого поколения художников, искавших новые пути в искусстве.